martes, 30 de diciembre de 2008

POPOL VUH - HOSIANNA MANTRA (1972)


Nombre: Hosiana Mantra
Banda: Popol Vuh
Año: 1972
País: Alemania
Sello: Pilz

TRACKLIST:
01 Ah! [04:49]
02 Kyrie [05:27]
03 Hosianna Mantra [10:22]
04 Abschied [03:19]
05 Segnung [06:13]
06 Andacht [00:46]
07 Nicht Hoch Im Himmel [06:23]
08 Andacht [00:44]

Tiempo total: 38:03

EL DISCO:
Esta vez, Florian Fricke y sus músicos aliados de turno, abandonan la faceta más eléctronica que la que el grupo llego a boca de todos, y se centro un sonidos más acústicos y órganicos. Asi nace Hosianna Mantra, una placa hermosa cargada de espiritualidad, pacífica y llena de encanto. Esta vez Popol Vuh, logra ambientizarnos en una fusion cristiano-oriental-cósmica, con una labor hermosa en las voces a cargo de Djong Yung. La labor del piano en reemplazo al clásico Moog de Fricke, de un ocasional oboe y violin, sumado a varios instrumentos típicos de la música de oriente, dan un caracter super íntimo y reflexivo, dejando de lado el clásico gusto por la tension de los grupos de Krautrock en general.
Florian Fricke introdujo mucho de la musica electronica a alemania, fue de los primeros músicos de ese pais en poseer un enorme Moog y en base a los paisajes musicales creados por este instrumneto dio vida a su proyecto muscial Popol Vuh, el grupo se convertiria en punta de lanza de la musica electronica en aquel pais, sus paisajes sonoros alucinantes llamaron poderosamente la atencion de otro increible paisajista, Werner Herzog, quien usaria la musica de los Popol Vuh para sus extraordinarias peliculas, pero Fricke era un musico inconformista y luego de halalrse en la cima musical, abandono la electronica, para abrzar sonidos acusticos organicos de increible espiritualidad, lo cual dejo constatado en este maravillosos disco, Hosianna Mantra funciona como un encuentro entre la espiritualidad oriental y la espiritualidad cristiana, una extraña y extravagante misa donde dios se manifiesta a traves de la musica.

Popol Vuh...
El grupo lo forma Florian Fricke en 1969 con la idea de hacer un grupo de música vanguardista, y toman su nombre del "Libro De Los Muertos" de la cultura Maya. Su música fue creada con la intención de las influencias musicales ancestrales de esta cultura milenaria, añadiendo elementos de la India, así como una filosofía oriental y fundamentada en los Tantras, lo que los convirtió en toda una escuela místico cósmico musical. Popol Vuh produce sonidos esotéricos, hipnóticos, sombríos, con el uso frecuente de frases musicales en forma de mantras.

PERSONAL:
Florian Fricke : piano, clave
Conny Veit : guitarra
Robert Eliscu : oboe
Djong Yun : voz
Klaus Wiese : tambura
Fritz Sonnleitner : violin

ARCHIVO

Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 89,4 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 87,3 MB
Artwork: Completo, alta calidad

-----------------------------------------------------------------------------------------
REMASTERIZACION SPV (2004)

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 partes)
Peso: 200 MB + 35 MB

Formato de audio: FLAC
Peso: 236 MB
Artwork: Completo, alta calidad

viernes, 19 de diciembre de 2008

APHRODITE'S CHILD - 666 (1971)

Nombre: 666
Banda: Aphrodite's Child
Año: 1971
País: Grecia
Sello:

TRACKLIST:
DISCO UNO
01 The system [00:23]
02 Babylon [02:51]
03 Loud, loud, loud [02:37]
04 The four horsemen [05:57]
05 The lamb [04:34]
06 The seventh seal [01:30]
07 Aegian sea [05:25]
08 Seven bowls [01:25]
09 The wakening beast [01:07]
10 Lament [2:55]
11 The marching beast [02:00]
12 The battle of the locusts [00:56]
13 Do it [01:45]
14 Tribulation [00:32]
15 The beast [02:33]
16 Ofis [00:17]

DISCO DOS
01 Seven trumpets [00:30]
02 Altamont [04:45]
03 The wedding of the lamb [03:35]
04 The capture of the beast [02:15]
05 "Infinity" [05:16]
06 Hic et nunc [03:00]
07 All the seats were occupied [19:27]
08 Break [02:55]

Tiempo total: 88:28

EL DISCO:
Disco conceptual doble, algo no muy usual allá por principios de los 70. No es el mejor album conceptual que ha existido, pero es una placa doble que da gusto escuchar, con sus distintas mixturas y variedad, estilistica, ritmica y melodica. 666, tiene restos del pasado beat-pop, de la banda, pero sumado a una experimentación más grande, música propia del meditarraneo, psicodelia y una instrumentación pomposa, lo que hace considerar al disco dentro de los parametros progresivos. Sin embargo, posee una gran cuota rockera, y unos muy interesantes solos de guitarra que lo demuestran. La principal virtud de esta obra, se basa en la variedad de formas muy ricas a lo largo de la obra, donde vemos asomarse lo que serían las bases de la música New Age que cultivaria provechosamente el famoso tecladista greigo de esta banda. Algunas bases corales, casi tribales, instrumentos étnicos y un arsenal de percusiones y músicos invitados rellenan el disco con una gran calidad, a veces este relleno se hace extenso para mi gusto, pero hay que tener en cuenta que es muy dificil hacer un album doble, y quitando lo que digo quedaria un trabajo muy largo para un solo LP y muy corto para dos. Pero en fín. Psicodelia, música del mediterraneo, rock, beat, experimentación y unas voces elogiables conjugan una obra que no puede pasar desapercibida. Una obra ícono del rock griego.

El concepto.
El album como sugiere el nombre, tiene una relación satánica. El mismo esta basado en unos escritos de Costas Ferris, que a su vez esta basado en el libro de las revelaciones de la Biblia. una gran Compañía de circo está ofreciendo un gran Espactáculo basado en el Apocalipsis. Durante un show, mientras los efectos de luz y sonido alcanzan su clímax, algo empieza a suceder fuera de la carpa del circo, el verdadero Juicio Final, ejecutado por Dios mismo. La audiencia cree que que lo que sucede afuera es parte del espectáculo, pero el Maestro de Ceremonias, que sabe que algo extraño está sucediendo, se pone histérico. Al final, la carpa de circo desaparece y la realidad se funde con la ficción, en medio de una gran batalla entre el Bien y el Mal.
Se dicen muchas cosas acerca de este album, que los miembros del grupo y todos los músicos invitados pertenecían a un secta satánica, algo muy de moda por aquellos años, que durante la grabacion del disco estaban bajo los efectos de un coctel de drogas inventado por ellos mismos, lo cierto es que este disco creo muchas fricciones dentro del grupo y termino por desintegrarlo, dejando las puertas abiertas a sus miembros para unas exitosas carreras solistas.

El grupo.
Aphrodite's Child fue un grupo griego de rock progresivo formado en 1967 por Vangelis Papathanassiou (teclados); Demis Roussos (bajo y voces), Loukas Sideras (percusión y voces), y Anargyros "Silver" Koulouris (guitarra). Papathanassiou y Roussos habían tenido éxito previamente en Grecia (en las bandas Formynx y Idols respectivamente) cuando se juntaron con Sideras y Koulouris para formar una nueva banda. Su primera grabación como grupo fue en el disco de George Romanos In concert and in Studio, en el que tocaron cuatro canciones bajo el nombre de "Vangelis and his orchestra". En el mismo año grabaron una maqueta con dos canciones que fue enviada a Philips Records.

PERSONAL:
Evengelio Odyssey Papathanassiou (VANGELIS) : teclados, flauta, percusion, vibes, coros
Artemios Ventouris Roussos (Demis Roussos) : bajo, voz y coros
Lucas Sideras : bateria, voz y coros

Harris Chalkitis : bajo, saxo, congas coros
Irene Papas : voces (2:5)
Michel Ripoche : trombon. saxo (1:2 & 2:6)
Yannis Tsarouchis : texto griego
John Forst : narrador

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: (83,7)+(93,3) 2 archivos

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 178, MB
Artwork: Completo, alta calidad

lunes, 8 de diciembre de 2008

RAINBOW THEATRE - FANTASY OF HORSES (1976)

Nombre: Fantasy of Horses
Banda: Rainbow Theatre
Año: 1976
País: Australia
Sello:


ESTRUCTURA:
1. Rebecca [03:05]
2. Dancer [11:08]
A. Straicase
B. The Big Time
C. Spin
D. Theatre
E. Farewell
3. Caption for the City Night Life [04:21]
4. Fantasy of horses [16:23]
A. Early Light
B. Frolic
C. Trappers
D. Captives
E. Frolic
F. Escape
G. Cliff edge

TRACKLIST:
01 Rebecca [03:05]
02 Dancer [11:08]
03 Caption for the City Night Life [04:21]
04 Fantasy of Horses [16:23]

Tiempo total: 35:07

EL DISCO:
Rainbow Theatre tiene una propuesta muy original. Esta banda perteneciente a Melbourne, Australia crean una amalgama musical muy pintoresca, cuyos principales condimentos son el rock progresivo, el jazz y la música clásica (sobre todo la opera). Con un arsenal de vientos por momentos frenéticos, y en otros tibios, pero perfectamente complentando a un suave piano, y a la voz de Keith Hoban. Como lo indica su nombre, la teatralidad esta muy presente en Rainbow Theatre, el disco en si parece una banda sonora de este género. Si bien hay una incursión en el jazz de vanguardia, prevalesce la opera como tronco principal en sus influencias, y sumado a los bronces adquiere unos tintes hispánicos muy prominentes. Las baladas muy bien logradas donde canta Keith Hoban acompañado del piano son la contracara de la fuerza en general de Fantasy of Horses. En definitiva, un disco lleno de vientos, opera, teatralidad muy bien logrado.

Algo sobre Rainbow Theatre.
Esta banda Australiana, es bien conocida por sus vinculos musicales con la opera y el teatro, esto se debe a que Keith Hoban un tenor perteneciente a una compañia de opera, junta varios musicos y cantantes de distintos registros de la compañia donde trabaja (Victorian Opera Company) y se une a un bajista,Ferg McKinnon, y a un baterista, Graeme Carter, ambos del ambiente del rock con la idea de plasmar su fascinación por las bandas sonoras de "Broadway". Asi surge este proyecto que da a la luz su primer disco en 1975, un disco llamado "The Armada". Este su segundo discos es similar pero su musica parte de otro concepto. La poca difusion de la banda hizo que esta desaparezca, hace unos años una discográfica japonesa, reedito ambos trabajos de forma ilegal y hoy gracias a internet esta accesible a todo un nuevo público que le da el reconocimiento que se merecen.

PERSONAL:
Ferg McKinnon : bajo
Graeme Carter : bateria, tympani, gongs
Steven Nash : saxo, clarinete, flauta
Frank Graham : trompeta, corneta, Oboe
Don Santin : trombón
Keith Hoban: voz (tenor)

Victorian Opera Company Choir:
Pauline Ashleigh : voces (alto)
Julian Browning : guitarra, Mellotron
Peter Cox : voces (bajo)
Matthew Cozens : piano, organo
Helen Grad : voces (soprano)
Helen Modra : voces(alto)
Barry Skelton : voces (tenor)
Sue Twigg : voces (soprano)
Evan Zachariah : voces (bajo)

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 76,2 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 80,4 MB
Artwork: frontal

sábado, 29 de noviembre de 2008

HAPPY THE MAN - HAPPY THE MAN (1977)

,


Nombre: ST
Banda: Happy the Man
Año: 1977
País: Estados Unidos
Sello: InsideOut Music

TRACKLIST:
01 Starborne [04:22]
02 Stumpy Meets the Firecracker in Stencil Forest [04:16]
03 Upon the Rainbow (Befrost) [04:42]
04 Mr. Mirror's Reflection on Dreams [08:54]
05 Carousel [04:06]
06 Knee Bitten Nymphs in Limbo [05:22]
07 On Time as a Helix of Precious Laughs [05:22]
08 Hidden Moods [03:41]
9. New York Dream Suite [08:32]

Tiempo total: 49:30

EL DISCO:
Happy the man, es una joya en la época de apogeo del género. Como todas las bandas, cercanas a los 80 se vieron tentados por las nuevas tecnologías, y los nuevos sonidos, pero creo yo, que utilizan con moderación y muy acertadamente estos nuevos recursos. En este disco encontramos muchos sintetizadores creando texturas, y muchas veces un piano acústico que le da contorno a estas mismas. Los arreglos son hermosos y consagran al sonido de la banda, suena todo muy compacto y trabajado. Esta placa homónima, tiene sus partes sinfónicas, como sus acercamientos al jazz y al rock en general. Los vientos entran en el momento justo y suelen ser el acompañamiento justo para marcar las rítmicas. Por momentos me hace recordar a la banda Gentle Giant en su estética, en temas como Stumpy Meets the Firecracker in Stencil Forest. En Upon the Rainbow a diferencia del resto del disco, entra una voz y la verdad que al escuchar el tema, me pregunto porque no decidieron incluirla en alguna otra pieza, porque verdaderamente le agrega mucha actitud. Un disco muy parejo de rock progresivo ecléctico y sinfónico, en una etapa de transición, que ya se ha convertido en un clásico y punto de inflexión. De lo mejor de Estados Unidos.

Happy the Man, es una banda norteamericana, muy influenciada por el progresivo británico de bandas como Yes, Gentle Giant y sobre todo Genesis, se puedem escuchar las fuertes influencias en sus discos. Graban dos discos en la década del '70, y por su éxito fuera de tiempo, en 1990 salen nuevas grabaciones de material grabado en vivo y material inedito de las misma época, a finales de esa década se vuelven a juntar y en 2004 graban un nuevo disco.

PERSONAL:
Stanley Whitaker : guitarra de seis y doce cuerdas, voces
Kit Watkins : mini-moog, piano, Fender rhodes, A.R.P., Hammond , Hohner clavinet, flauta, marimba
Frank Wyatt : saxo, fluata, piano, teclados, voces
Rick Kennell : bajo
Mike Beck : batería

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 116 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 113 MB
Artwork: completo, alta calidad

viernes, 14 de noviembre de 2008

RAGNAROK - RAGNAROK (1976)


Nombre: Ragnarok
Banda: Ragnarok
Año: 1976
País: Suecia
Sello:
Silence Records


TRACKLIST:
01 Farvel Köpenhamn (Goodbye Copenhagen) [02:30]
02 Promenader (Walks) [04:40]
03 Nybakat Bröd (Freshbaked Bread) [03:01]
04 Dagarnas Skum (Foam Of The Days) [08:07]
05 Polska Fran Kalmar (Reel From Kalmar) [00:46]
06 Fabriksfunky (Factoryfunk) [04:49]
07 Tatanga Mani [04:34]
08 Fiottot [01:23]
09 Stiltje-Uppbrott (Calm-Breaking Up) [04:21]
10 Vattenpussar (Pools Of Water) [04:08]

Tiempo total: 43:19

EL DISCO:
Este es un album delicado. Con claras influencias del jazz y la música folklórica. Con un nivel de músicos muy bueno. Las composiciones no son demasiado complejas ni originales, pero estan bien trabajadas y presentadas, con hermosas guitarras acústicas y pianos eléctricos. Estos instrumentos y alguna flauta son los rasgos mas distintivos de este grupo. Con piezas cortas generalmente suaves, nos transportan por distintos paisajes, algunos muy amenos, otros un poco más nostálgicos, pero siempre es una música con un poder evocativo muy grande. En ciertos tracks nos regalan un folk muy relajado, con un sello bien escandinavo, y hasta se animan a un funky que a mi personalmente me recuerda mucho a la música de Luis Alberto Spinetta orientada al jazz. El tema más largo del disco nos muestra que se adentran en distintos estilos, y este tema suena a la etapa espacial de Pink Floyd, con esas guitarras un tanto bluseras.
Un disco sutil, hermoso que jamás puede ser catalogado de malo a pesar de que no este orientado a nuestros gustos personales. Un disco que su belleza radica en la serenidad y la melancolía, en las sutilezas del grupo sonando en conjunto y no en el virtuosismo individual. Recomendado.

No hay que confundir a esta banda con las homónimas de Nueva Zelanda (Psicodelia-Space) ni con la banda Ragnarok de Heavy Metal.
Esta es una banda que nació o mediadios de los años 70, en el rico terreno musical sueco. Años más tarde grabarían dos discos, que sin ser malos, no llegan a la calidad de este trabajo.
Lamentablemente no hay mucha información en internet, en idiomas que yo pueda entender de esta agrupación.

PERSONAL:
Lars Peter Sörensson : bateria
Stefan Ohlsson : teclados, guitarra
Peder Nabo : flauta, guitarra
Staffan Strindberg : bajo
Peter Bryngelsson : guitarras
Henrik Strindberg : guitarra electrica, flauta, flauta soprano, saxo

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 83,7 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 88, 3 MB
Artwork: Completo

jueves, 6 de noviembre de 2008

HOELDERLIN - HOELDERLIN'S TRAUM (1972)

Nombre: Hoelderlin's Traum
Banda: Hoelderlin
Año: 1972
País: Alemania
Sello:
Ohr/Pilz (ZYX)


TRACKLIST:
01 Waren Wir [04:53]
02 Peter [02:52]
03 Strohhalm [02:20]
04 Requiem fur Einen Wicht [06:32]
05 Erwachen [04:20]
06 Wetterbericht [06:34]
07 Traum [07:20]

Tiempo total: 34:51

EL DISCO:
Este es un album hermoso, donde los arreglos y la variedad de instrumentos dan matices preciosos. La música de Hoelderlin, mezcla cálidos sonidos folk, con algunos tintes progresivos. El resultado es una mixtura muy bien lograda, sacando el jugo de cada instrumento. En 1972, sale a la luz este disco gracias a la ayuda de un sello pequeño. En Hoelderlin's Traum podemos encontrar pianos, melotrones, violines, chelos, sitars, tablas, flautas todo un arsenal dispuesto a deleitar nuestros oidos. Un poco de rock, psicodelia, progresivo, folk, algo de jazz, música barroca, todo eso junto muy bien entrelazado es el album debut de esta banda germana. Quiero destacar este album de toda la discografía del grupo, por sus momentos emotivos y sobre todo por incluir el registro de voz de Nanny DeRuig que acompaña perfectamente este tipo de composiciones (muy linda ella por cierto). Uno de esos discos díficiles de comentar, ya que a mi particularmente me gusta mucho, y sería demasiado imparcial en mis comentarios. Juzguen ustedes

Un poco de historia de los primeros años:
Hoelderlin es fundado en Noviembre de 1970 por los hermanos Joachim y Christian von Grumbkow, que venian de varias agrupaciones donde se dedicaban a hacer covers. Ellos a cargo de todo un arsenal de instrumentos, entre ellos teclados, guitarras, chellos, percusiones, etc... junto a Nanny DeRuig a cargo de la voces y alguna que otra danza, bautizan al grupo Hoelderlin, por el poeta.
En 1971 se unen otros tres miembros: Christian Noppeney (viola, guitarrras), Peter Käseberg (bajo) and Michael Bruchmann (batería). Peter y Christian se dedicaban a escribir la mayoría de las letras justamente influenciados por Friedrich Hoelderlin el poeta de donde proviene el nombre de la banda. Este mismo año logran firmar un contrato con el sello OHR Musik.
En Febrero de 1972 la banda comienza a trabajar en el material de su primer albúm. El disco recibio críticas muy elogiosas de los medios alemanes, incluso de la revista de estados unidos "Eurock". Ese mismo otoño comienzan una gira radial, alrededor de Alemania, donde logran hacerce de un gran público.
Al año siguiente, tenian programados más de 80 conciertos, en todo el país y algunas apariciones en televisión y de invitados con otras bandas de esa época. Nanny DeRuig deja la banda para finales de 1973.

Hoelderlin el poeta:
J. C. Friedrich Hölderlin (1770-1843) está considerado el más gran poeta del Romanticismo alemán. Entusiasta de los valores de la Revolución Francesa, como sus compañeros de seminario Hegel y Schelling, traductor de Sófocles y Píndaro, fue autor, además de la producción poética, de ensayos y obras clave de la literatura europea (Hiperión, La muerte deEmpédocles). Después de vagar sin rumbo como preceptor de familias ricas, vivió los últimos 37 años de su vida aquejado de una oscura locura, en la casa de un carpintero a orillas del Neckar, "tocado por Apolo" y entre los dioses. Olvidado en vida y durante largo tiempo tras su muerte, ha marcado de manera determinante la obra de filósofos y de poetas como el propio Luis Cernuda.

PERSONAL:
Michael Bruchmann : batería, percusión
Nanny DeRuig : voz
Christian Grumbkow : guitarras
Joachim Grumbkow : chelo, guitarra acústica, fluata, tecaldos, melotrón
Peter Kaseberg : bajo, guitarra acústica, voces
Christoph Noppeney : violin, fluata, piano
Peter Bursch : sitar (3)
Mike Hellbach : tablas (3)
Walter Westrupp : flauta (5)

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 96,7 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 79,5 MB
Artwork: Completo, alta calidad, + ediciones japonesas.

-----------------------------------------------------------------------------------------
REMASTERIZACION JAPONESA (2003)
Fiel al vinilo

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 partes)
Peso: 200 MB + 30 MB

Formato de audio: FLAC
Peso: 231 MB
Artwork: Completo, alta calidad

lunes, 3 de noviembre de 2008

THE MARS VOLTA - FRANCES THE MUTE (2005)

Nombre: Frances the Mute
Banda: The Mars Volta
Año: 2005
País: Estados Unidos
Sello: Universal Records


ESTRUCTURA:
1. Cygnus....Vismund Cygnus [13:02]
A. Sarcophagi
B. Umbilical Syllables
C. Facilis Descenus Averni
D. Con Safo
2. The Widow [05:51]
3. L'Via L'Viaquez [12:22]
4. Miranda That Ghost Just Isn't Holy Anymore [13:10]
A. Vade Mecum
B. Pour Another Icepick
C. Pisacis (Phra-Men-Ma)
D. Con Safo
5. Cassandra Geminni [32:32]
A. Tarantism
B. Plant a Nail in the Navel Stream
C. Faminepulse
D. Multiple Spouse Wounds
E. Sarcophagi

TRACKLIST:
01 Cygnus... Vismund Cygnus [13:02]
02 The Widow [05:51]
03 L' Via L' Viaquez [12:22]
04 Miranda that Ghost Just Isn't Holy Anymore [13:10]
05 Cassandra Geminni I [04:46]
06 Cassandra Geminni II [06:40]
07 Cassandra Geminni III [02:56]
08 Cassandra Geminni IV [07:41]
09 Cassandra Geminni V [05:00]
10 Cassandra Geminni VI [03:48]
11 Cassandra Geminni VII [00:47]
12 Cassandra Geminni VIII [00:54]

Tiempo total: 76:55

EL DISCO:
Definitivamente Frances the Mute, es uno de mis discos favoritos de los últimos años, un disco para escuchar de principio a fin y hundirse en las distintas texturas de cada capítulo. Es un disco conceptual basado en un diario de un fallecido miembro de la banda, que encontro en el asiento trasero de un auto, del depósito donde trabajaba. Desde el comienzo nos muestra todo su potencial rockero, con ritmos bastante complejos a los acostumbrados para el rock del mainstraeam, cargado de energía rockera. The Widow, el tema más comercial del trabajo, no deja de ser increíblemente bueno. Un poco de salsa, guitarras a lo hendrix, psicodelia, atmósferas fantasmales y experimentación es lo que sigue. Encuentro como puntos culmines del disco "Plant a Nail in the Navel Stream" la segunda parte de Cassandra Geminni, creo que este corto track resume lo que es Mars Volta, y particularmente este disco. Luego en las partes subsiguientes quiero destacar la entrada del saxo, con efecto, muy alocado y por demás acertado. No me gustaría extenderme más, es un disco que hay que escuchar.

La historia tras Frances the Mute
Se basa en un diario encontrado por Jeremy M.Ward (antiguo miembro de la banda -manipulador de sonido- fallecido en 2003 de sobredosis) en el asiento de atrás de un coche cuando trabajaba como repo-man (recuperador de coches) para una empresa.
El diario trataba de la búsqueda por parte del joven de sus padres biológicos, ya que él era adoptado. Jeremy, también adoptado, se interesó mucho por la historia y empezó a desarrollarla, pero su muerte prematura (27) le impidió continuar.
Posteriormente Omar y Cedric continuaron desarrollando el diario y cada tema del disco se refiere a uno de los personajes del diario, siendo "Frances the mute" el tema que sirve para descifrar el escrito (y que curiosamente sólo aparece en la 1ª edición en vinilo)
Según ellos, la historia es la búsqueda del eslabón perdido, el tema de la familia biológica, en contraposición con la familia "real" (aquellos con los que convivimos y pasamos nuestro tiempo).
"Nos sirve como nuestro propio diario, dice Zavala, ya que el hecho de que nos pasemos todo el tiempo de tour, hace que nos cuestionemos cuál es la verdadera familia. También hay cosas sobre la historia que no queremos compartir. Sería demasiado personal y redundante incluso el hablar de ello. Digamos que es una historia de abandono y adicción..."
Y continúa :"Así como el álbum anterior era un universo de imaginación, un poco historia de ciencia-ficción, en "Frances"... se transpira el mundo real, las experiencias vividas y el regreso a las raíces latinas del grupo".

PERSONAL:
Omar Rodriguez-Lopez : guitarra
Cedric Bixler-Zavala : vocalista
Jon Theodore : batería
Isaiah Ikey Owens : teclados
Juan Alderete : bajo
Marcel Rodriguez-Lopez : percusion
Flea : trompeta en "The Widow"
John Frusciante : dos primeros solos de guitarra en "L'Via L'Viaquez"
Larry Harlow : piano, clarinete modificado "L'Via L'Viaquez" y "Cassandra Gemini"
Lenny Castro : percusion adicional
Adrián Terrazas-González : tesaxofon tenor, flauta en "Cassandra Gemini"
Salvador (Chava) Hernandez : trompeta
Wayne Bergeron : trompeta
Randy Jones : tuba
Roger Manning : piano
Nicholas Lane : trombón
William Reichenbach : trombón bajo
David Campbell : arreglos de cuerda
Larry Corbett : cello
Suzie Katayama : cello
Violines:
Fernano Moreno
Erick Hernandez
Diego Casillas
Ernesto Molina
Joel Derouin
Roberto Cani
Mario De Leon
Peter Kent
Josefina Vergara

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 170 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 176 MB
Artwork: completo, alta calidad

lunes, 27 de octubre de 2008

HÖYRY-KONE - HYONTEISIA VOI RAKASTAA (1995)

Nombre: Hyonteisia Voi Rakastaa
Banda: Höyry-Kone
Año: 1995
País: Finlandia
Sello: Perpetuam Memoriam

TRACKLIST:
01 Örn [03:58]
02 Raskaana [03:10]
03 Hämärän joutomaa [07:07]
04 Pannuhuoneesta [02:08]
05 Luottamus [04:30]
06 Kaivoonkatsoja [04:00]
07 Kosto [05:57]
08 Hätä [03:42]
09 Myrskynmusiikkia [06:46]
10 Hyönteiset [03:13]

Tiempo total: 46:45

EL DISCO:
Höyry-Kone , que en español significaría algo así como “máquina de vapor”,es una banda finlandesa de lo más ecléctica, tan circense como oscura, pesada como emotiva, con influencias de lo mas variadas, nos regalan este primer trabajo Hyonteisia Voi Rakastaa.
Los pilares de este disco son muchos, principalmente su libertad de género, abarcando varios estilos, esta máquina de vapor no se encierra en uno solo, y sabe aprovechar su amplio rango de instrumentos según lo sugiera la composición. La voz es un punto muy alto, Topi Lehtipuu le aporta mucha actitud y teatralidad y sobre todo una gran calidad vocal, hoy es habitual vocalista de la Òpera de Paris. Otro elemento muy bien usado son los chelos y violínes que conviven a la perfección con guitarras y bajos bien crudos. Pueden olerse ciertos aromas del Zeuhl que supo cosechar Magma, influencias crimsonianas, y de las bandas escandinavas como Anekdoten, y similares. Algo de techno-pop, música de cámara, étnica, bossa nova… y largos etcéteras hacen de esta salsa que es Hyonteisia Voi Rakastaa algo que deleita el paladar. Encuentro particularmente hermoso el tema Luottamus, comenzando tan suaver y delicado, con sútiles arreglos de guitarra y un contrapunto de cuerdas muy bonito, con un verdadero broche de oro al final, totalmente cautivador. Lo que le sigue es una cruza de rock y música de cámara muy bien lograda. Un disco muy parejo en su calidad, y sin ninguna dudas junto con el segundo disco de la banda de lo mejor de los noventas

Esta banda finlandesa nace a principios de los noventa, fundada por Jussi Kärkkäinen (guitarra) y Teemu Aniñen (batería). Luego de idas y vueltas la banda queda conformada en 1995 y graban su primer trabajo. Para su segundo trabajo quedan conformados como un octeto grabando el hoy célebre Huono Parturi y más tarde luego de unas pocas presentaciones se separan. Algunos de sus miembros armaron Alamaailman Vasarat. Höyry-Kone tuvo una participación en el tributo a Iron Maiden (Slave to the Power), donde hacen una peculiar versión sinfónica de “The Trooper”. Lamentablemente no hay mucha más información en la red, que este en un idioma que yo pueda entender.

PERSONAL
Jukka Hannukainen : voces, sintetizadores, programación
Teemu Hänninen : bateríaTuomas Hänninen / guitars
Jussi Kärkkäinen : guitarra, órgano
Nina Lehos : oboe
Topi Lehtipuu : voz, violín
Marko Manninen : chelo
Jarno Sarkula : bajo, órgano

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 86,7 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 101 MB
Artwork: frontal, alta calidad

domingo, 19 de octubre de 2008

TIME - TIME (1972)

Nombre: Time
Banda: Time
Año: 1972
País: Yugoslavia
Sello: Jugoton
Reeditado 1993 por Croatia Records

TRACKLIST:
01 Istina Masina [04:53]
02 Pjesma No.3 [05:57]
03 Hegedupa Upa [05:13]
04 Kralj Alkohol [07:04]
05 Za Koji Zivot Treba da se Rodim [10: 05]

Tiempo total: 33:02

EL DISCO:
No estamos ante un disco sobresaliente, pero su contenido es más que interesante. Sin una orientación específica hacia un estilo puntual, Time es una banda que juega con distintos recursos y conjuga una música por momentos muy original. Consagrado como el primer LP de rock progresivo de la ex Yugoslavia, es un trabajo muy bueno, con un tema inicial algo tímido que sin ser malo no nos deja muy claro frente a que estamos, de este se destaca la labor del órgano. Päsamos a Pjesma No.3 una balada blusera con una voces muy expresivas que verdaderamente trasmiten sentimiento, ya que de la letra no tengo ni idea porque cantan en su idioma natal, que por cierto lo considero un punto a favor. Luego de este comienzo algo tibio el disco da un giro muy grato por cierto y comienza a destilar sus tintes progresivos, con una “danza pseudo tribal yugoslava” muy interesante y divertida aunque algo repetitiva y para finalizar dos muy buenos temas destacando sobre todo Kralj Alcohol, que deslumbra alguna que otra influencia jazzística y que tiene unos teclados sobresalientes. En conclusión tenemos un disco con una producción basica bien logrado, con influencias jazzeras y cosas muy originales . redondeando un saldo positivo.

Las idas y vueltas de la banda:
Dado Topic, luego de abandonar Korni Grupa se mudó a Zagreb y con ayuda de Vladimir Mihaljek formaron Time. Con la incorporación de Brane Lambert Zivkovic en piano, flauta, piano eléctrico; Ratko Divjak en batería; Tihomir Pop Asanovic en órgano y Mario Mavrin en bajo el verano de 1972, graban este disco homónimo. Se lanzarón solamente 500 copias, ya que la compañia no esperaba repercusión comercial con este tipo de material, pero con las décadas tuvo varias reediciones que lograron dar a conocer mas a la banda y vender un número mayor de copias. La alineación original de la banda se disuelve en 1973 luego de varios cambios y en 1974 Dado Topic pasó un tiempo en prisión por eludir el servicio militar obligatorio, allí escribió casi todo el material para lo que sería su segundo disco “Time II” grabado en 1975. La formación de la banda para este trabajo era: Topic, voz, bajo, guitarra acústica; Asanovic en teclados; Divjak en batería y percusión; Dragi Jelic en guitarras y and Dabi Lukac en moog y melotrón. Luego Topic se mudo a Londres donde tocó con The Foundations en varias giras. Precisamente durante una de esas giras en Yugoslavia Dado Topic decide reformar el grupo Time, con sus compañeros Petar Petej en batería y Chris Nicholls en teclados. Petej toco ocasionalmente con el grupo, pero con el retorno de Bozic y Divjak la banda graba su tercer disco, un album conceptual acerca de la vida de una estrella de rock & roll, grabado en Munich. Luego de varias giras la banda se disuelve en 1977, abriendo las carreras solistas de sus miembros. La banda se reunio por un período breve a manos de Bozic y Divjak en 2001 para tocar solo algunos conciertos.

PERSONAL:
Brane Lambert Zivkovic: piano, flauta, piano eléctrico
Dado Topic: voz
Mario Mavrin: bajo
Ratko Divjak: batería
Vedran Bozic: guitarras, voces
Tihomir Pop Asanovic: hammond

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 69,9 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 76,6 MB
Artwork: frontal, alta calidad

jueves, 16 de octubre de 2008

TETRAGON - NATURE (1971)

Nombre: Nature
Banda: Tetragon
Año: 1971
País: Alemania
Sello: Soma
Reeditado por Musea en 1995

TRACKLIST:
01 Fugue [15:59]
02 Jokus [0:21]
03 Irgendwas [6:01]
04 A Short Story [13:41]
05 Nature [7:44]
Bonus Track (En la reedición de Musea)
06 Doors In Between [14:16]

Tiempo total: 58:01

EL DISCO:
Nature es uno de esos tantos discos de la época dorada del Krautrock condenado al olvido, por poca prensa o que se vieron opacados por otros grandes del género. Lo cierto, que la escena kraut dejo varias bandas en el olvido, y gracias a algunos sellos pequeños como Musea, hoy podemos disfrutar de algunas gemas perdidas en el camino. Pero esta obra posee una particularidad muy grande que fue las precarias condiciones de grabación casi imperceptibles debido a su gran calidad musical. Sólo 400 copias se editaron en el año 1971, es un milagro que hoy podamos disfrutar de ella.
La música esta muy cercana a la obra de Emerson con el grupo The Nice, pero con todo el respeto que le tengo a esa banda debo decir que encuentro en Tetragon un poco más de dinámica. Todos los instrumentistas son muy buenos aquí, pero logran un equilibrio mayor entre todos que en bandas como la antes citada. Sucede que de a ratos los músicos se pasean en pasajes bluseros o jazzeros además de su clara influencia que es la música clásica. Bandas como The Nice, creo que terminan saturando al oyente, y otras generalmente son suma de individualidades donde se turnan para hacer súper solos, aca el resultado no es saturador en absoluto, porque como dije antes su música entra y sale de distintos géneros y se pasea a su agrado con un resultado óptimo. Los teclados están muy bien puestos, como en el primer tema Fugue, basado en la Tocata en re menor de J. S. Bach, una versión de lo más atrevida y original que he escuchado sin caer en el facilismo en los que caen todos al realizar un cover con base a una obra clásica. Las precarias condiciones de grabación hacen que el sonido de la banda sea el punto bajo del disco en si, y por otro lado teniendo en cuenta las mismas, nos recalca la enorme calidad de sus músicos. Musea en esta reedición hizo lo que pudo por mejorar la calidad del sonido, y la verdad que lo hizo muy bien.

La historia de Tetragon y la grabación de Nature.
Tetragon fue una de las tantas bandas de poca duración de principios de los setenta, originarios del norte de Alemania. La banda deriva de una previa llamada Trikolon formados por amigos de la escuela. La banda formaba con Hendrik Schapper, en órgano y trompeta, Rolf Rettberg, en bajo y Ralph Schmieding, a cargo de la batería, principalmente tocaban covers de The Nice, pero como sus contemporáneos Ekseption poco a poco fueron acercándose a otros géneros como el Blues y el Jazz, y poco a poco se fueron adentrando más en el terreno de la improvisación ya que Schmieding era fanático de Miles Davis. Fueron haciéndose conocidos en la escena local y lanzaron una grabación de 150 copias de una de sus presentaciones en vivo. En 1971 Schmieding abandona el grupo, y deciden buscar un reemplazante, para ocupar su rol entra Achim Luhrmann y incorporan a un talentoso guitarrista Jürgen Jaehner. A partir de ahora el cuarteto comienza a llamarse Tetragon.
Para la grabación de este disco utilizaron una consola precaria de la época, algo de cinta y solo siete micrófonos para captar el sonido de cada instrumento. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en una vieja granja, perteneciente a unos conocidos. No existían chances de sobregrabación, lo que impulso a los músicos a tocar en un gran nivel, y a veces como el tecladista, a tocar con una mano el órgano y con la otra el clavinet, o a Jürgen Jaehner cambiar de guitarras a cada rato, para pasar de la eléctrica a la acústica. A pesar de esto, el resultado final es digno de envidia, y para aplausos, no encuentro temas débiles en el disco y sus interpretaciones son muy buenas. Material poco conocido y de gran calidad de la primera generación del rock progresivo.

PERSONAL:
Hendrik Schaper: teclados, voces
Jürgen Jaehner: guitarras
Rolf Rettberg: bajo
Joachim Luhrmann: batería

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 132 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 132 MB
Artwork: Completo, alta calidad

miércoles, 15 de octubre de 2008

FAUST - FAUST I (1971)



Nombre: Sín título (Faust, Faust I o Clear)
Banda: Faust
Año: 1971
País: Alemania
Sello: Polydor

TRACKLIST:
01 Why Don't You eat Carrots? [09:34]
02 Meadow Meal [08:04]
03 Miss Fortune [16:36]

Tiempo total: 34:14

EL DISCO:
Faust nos trae una propuesta sin precedentes, encara este proyecto musical con una libertad total. Por lo tanto, no es un trabajo de fácil escucha, ni tampoco recomendado para mentes poco abiertas. La banda nos pone a prueba desde el comienzo con un sonido, digamos poco grato, que creo hace la suerte de una advertencia: “Si no soportas esto, no estás preparado para nuestra música”. Luego, entre una atmósfera errática pueden oírse canciones de los Stones y los Beatles sampleadas, a la distancia, muy lejos y difusas, como si estuvieran en otro espacio y tiempo. Claramente estos primeros segundos son muy simbólicos. Estos alemanes están muy lejos de los cánones comunes del rock y de la música anglosajona de la época, esas canciones que escuchamos difusas están muy lejos del objetivo musical de esta obra, pertenecen a otra dimensión.
He leído una descripción muy acertada acerca de este disco, lo comparaba con un descampado, donde entre el pasto, surgen del suelo, bloques de cemento, una zapatilla vieja, un piano de juguete, entre las flores puede verse un alambre retorcido. Para los oídos acostumbrados al rock y aún al rock progresivo, estos alemanes son inclasificables, más que nada en esta primer obra, luego eligirían estructuras un poco mas convencionales.
Como decía antes, describir su música es difícil. Un poco de jazz, un poco de psicodelia, rock progresivo, música acústica, ruido, todo muy bien procesado con aires de caos, como si todo estuviera unido y pegado sin mucho cuidado, pero esto no es un descuido, es intencional y característico del sonido de la banda. Faust utilizaba al estudio de grabacion como un elemento muy importante en sus discos, "Por lo que a mí respecta, la mitad de la esencia de Faust",valora Irmler, "radicaba en utilizar el estudio como un instrumento más, no tratarlo simplemente como una máquina registradora que graba sonido. Aun estoy infectado con esa idea. Es como darle una nueva oportunidad al material. Darle una nueva dirección a una sesión que ya está completa. Ofrecerle un nuevo impacto".
Sus sonidos son fúnebres y festivos a la vez, ácidos y misteriosos, a veces circenses y satíricos, y por supuesto muchas veces oscuros. Se mezclan riffs absurdos de vientos sintéticos, pianos fantasmagóricos, sonidos estrafalarios, alguna que otra conversación en alemán y una experimentación total que me recuerda al disco de estudio de Ummagumma de Pink Floyd, salvando las distancias.. Es un trabajo que a la primera escucha resulta desalentadoramente extraño, pero que de a poco con nuevas escuchas, y la mente abierta, nos muestra su belleza oculta, que es enorme. Una vez develados los misterios, es una obra magnífica.

Hablemos un poco de Faust:
Faust es una banda de Krautrock alemana, compuesta originalmente por Werner “Zappi” Diermaier, Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunter Wüsthoff, además del productor musical Uwe Nettelbeck y el ingeniero en sonido Kurt Graupner. El grupo se formó oficialmente en 1971 y tenían como lugar de origen Wümme. Uwe Nettelbeck, el creador y productor de Faust falleció el 17 de Enero del 2007.
Según algunos son nada menos que “inventores de la música industrial, precursores del post-punk y padrinos del techno”. Faust empezaron a crear a principios de los setenta, reunidos en una suerte de comuna, como si de una prolongación aislacionista del mayo del 68 se tratara. Revolucionarios, impredecibles y crípticos, su misión residió en dinamitar los formatos preestablecidos y vencer el encapsulamiento musical. En 1973 entregaban el seminal “The Faust Tapes”, primer disco de la historia realizado con cut’n’paste. Cada nuevo trabajo suyo hizo tabula rasa de lo anterior, nutriendo sus composisiones de improvisación, accidentes y experimentación. Abstracta e insondable, entre futurismo y primitivismo, hoy (cuando anuncian nuevo disco para el otoño) su no-música ya ha alcanzado la universalidad. Y como dice Hans Joachim Irmler: “Nada que sea ‘Faust’ puede morir. Lo fáustico no muere”
Vivieron en comuna en la villa rural de Wümme y se apartaron del ruido mundanal para centrarse en el suyo propio. Este aislacionismo tendió un halo de misterio a los inicios de la banda. Ideal para constituirse en grupo de culto. ¿Existió entonces una escena kraut? "Una de nuestras leyes era vivir aislados de influencias. Sin conexión con otras bandas. Centrados en lo nuestro.
Irmler contesta esta pregunta de la siguiente forma: “Le pusimos krautrock a la primera canción de del disco Faust IV irónicamente. Es decir, que el flamante krautrock nació precisamente porque Faust no era rock ni estábamos de acuerdo con las guerras de nuestros antecesores. Éramos una progresión de las ideas revolucionarias de los estudiantes europeos de finales de los 60 en Francia, Alemania y Reino Unido. Llevamos esas ideas a otros extremos. Creímos que era un buen momento para crear una música autóctona, desligada del modelo sajón de blues y rock. Nuestra realidad era otra".
Dispares musicalmente, lo que tenían Neu!, Can, Faust y Kraftwerk en común fue "el deseo de constituir un punto de fuga y el intento de crear un nuevo standard musical que tenga sus raíces en Alemania y en la reflexión individual".

PERSONAL:
Werner "Zappi" Diermaier : batería
Hans Joachim Irmler : órgano
Arnulf Meifert : batería
Jean-Hervé Péron : bajo
Rudolf Sosna : guitarras y teclados
Gunter Wüsthoff : sintetizadores y saxo

Kurt Graupner : ingeniero de sonido
Uwe Nettelbeck : productor

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 77,8 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 78,3 MB
Artwork: Completo, alta calidad

IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA - CONTAMINAZIONE (1973)



Nombre: Contaminazione
Banda: Il Rovescio Della Medaglia
Año: 1973
País: Italia
Sello: RCA


TRACKLIST:
01 Absent for this consumend World [01:05]
02 Ora non ricordo piu [01:47]
03 Il suono del silenzio [05:16]
04 Mi sono svegliato e..ho chiuso gli occhi [04:19]
05 Lei sei tu: Lei [02:04]
06 La mia musica [04:10]
07 Johann [01:23]
08 Scotland Machine [03:06]
09 Cella 503 [03:18]
10 Contaminazione 1760 [01:04]
11 Alzo un muro elettrico [02:55]
12 Sweet Suite [02:17]
13 La grande fuga [03:42]

Tiempo Total: 36:14

EL DISCO:
Il Rovescio Della Medaglia (la otra cara de la moneda), es un grupo que tiene valoraciones antagónicas, hay quienes dicen que este disco, Contaminazione del año 1973, es una de las obras maestras del género, y por otro lado hay quienes no encuentran en él originalidad ni otros brillos. Lo cierto, es que a mí personalmente, me parece de lo mejor, de esos años en Italia, comparandose con pesos pesados como Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Socorros, Le Orme y otros.
Si bien es cierto que no inventaron nada, ya que fusionar la música clásica con el rock ya se había hecho con anterioridad en grupos como The Nice, y también si tomamos en cuenta que gran parte del credito acerca de la mùsica le pertenece a J. S. Bach, ya que toman algunos preludios y fugas, y sobre todo “El Clave Bien Temperado” como base, estaríamos en presencia de una obra con méritos ajenos, pero yo encuentro en Contaminazione una fusión exquisita.
El disco es un album conceptual sobre la vida del personaje Isaias Somerset, un presunto hijo natural de Bach, historia inventada por Enrique Bacalov, compositor de Contaminazione del cual hablaremos luego. Por supuesto la música nos transporta a esa época, y como armas utiliza un arsenal de distintos teclados, como melotrones, claves, órganos de iglesia, todo finamente arreglado. Podemos encontrar, hermosas interpretaciones en el violín, tanto como solos de guitarra bien rockeros. Todos los temas estan perfectamente enganchados entre sí, y dentro de ellos subdivisiones muy interesantes con cambios rítmicos inesperados. Es una mixtura exquisita, que compensa su supuesta “falta de originalidad” con calidad.
La banda no siempre incursiono en estos terrenos, como se puede notar en su disco anterior con tintes mas hardrockeros, el responsable de este cambio fue Enrique Bacalov, compositor argentino, que trabajaba para RCA en Italia, componiendo música de comerciales y bandas sonoras, siendo de estos su trabajo más destacado la de la película “Il postino”, premiada con un Oscar. Su entrada en el mundo progresivo fue por pura casualidad y como divertimento, resulta que uno de sus trabajos que tenia como destino la pelicula "La Vittima Designata" del director Mauricio Lucidi, le fue rechazada por mala calidad de grabacion... Luis Enrique penso que esta su obra academica encajaria perfectamente con la musica rock progresivo que estaba de moda en Italia y el productor Sergio Bardotti con el cual ya habia trabajado anteriormente en la RCA en una comedia musical infantil, le puso en contacto con uno de los grupos que mas exito tenia por aquellos entonces llamado New Trolls. Además de este disco con Il Rovescio Della Medaglia, trabajo en Concerto Grosso I (1971), Concerto Grosso II (1976) con la banda New Trolls, y Preludio, tema, variazioni e canzona (1972) con la banda Osana.

Dejo el texto traducido que figura en la portada interna contando un poco de la historia del personaje ficticio Isaias Somerset:
Despues de ocho años Oliver Mc Dougall vuelve a ocuparse del "caso" Somerset.
Su mas reciente publicacion saca a la luz ulteriores documentos sobre la vida y la obra del supuesto musico Escoces. En abierta polemica con Von Kuhlemberg, quien a este argumento dedico pocas y encorelizadas lineas, no privadas de cierto chauvinismo pangermanistico , traza los rasgos esenciales de una biografia artistica extremadamente compleja, hasta la patologia de la creacion. No obstante, debemos una vez mas ser extremadamente cautelosos en el aceptar "tout-court", una tesis musicologica muy dudosa. Existio verdaderamente Isaias Somerset? No nos encontramos en el centro de un colosal "bluff" de algun habilisimo archivista provinciano? Resumamos a grandes rasgos la reconstruccion macdougallesca.
Nacido el 13 de Agosto de 1734 en Escocia, en Stuarton (hoy Middlesborough), hijo natural de una tal Angelica Somerset de profesion mesonera, el "Nuestro" (Isaias Somerset) fue encaminado a la musica por un monje irlandes. A temprana edad formo parte de la orquesta de Sir Anthony Pantano, componiendo para ella las primeras "bagatellas" y "suites" para baile. Estas seran cosas de poca importancia, si se quiere dar credito al testimonio del autor en una carta dirigida a Wolfgang Amadeus Mozart, el 4 de Mayo de 1765.
Formo parte de la orquesta de Sir Anthony Pantano hasta el año 1759 y se puede decir que a partir del año siguiente, se inician los primeros ataques del mal que pronto lo condenaria. No sabemos hasta ahora exactamente, y deseariamos que algun estudioso de psicopatologia se ocupase de este asunto basandose en los documentos ya publicados, el motivo del surgimiento en Isaias de la forma maniacal que lo persiguio hasta ser internado en el manicomio local y que mas tarde lo llevo a la destruccion fisica. Estudioso y amante "ante litteram" de la musica de J. S. Bach, se identifico con el coloso de Eisenach hasta creerse y definirse como su hijo natural. De aqui las pateticas cartas enviadas al "hermano" Hans Cristiano a la escuela de la Thomaskirche de Lipsig, para obtener el titulo de Kappelmeister (director) como lo fuera su supuesto padre, y al Principe de Brandeburgo pretendiendo tener en su poder el manuscrito del "Septimo Concierto Brandeburgues", ofreciendolo a cambio de 22 taleros.
Sin trabajo, angustiado por la soledad y el silencio al cual estaba condenado, se dejo crecer el cabello y la barba, quizas por protesta , y en la noche de Navidad en 1764 subio desnudo al techo del municipio y desde alli ejecuto algunos fragmentos de su "Cantata de la Navidad" para voz y violin, hasta que fue detenido por los gendarmes.
Fue internado en el manicomio local de donde no salio nunca mas. Tuvo momentos de lucidez y pavorosas recaidas. Su continua alucinacion, de tipologia erotico-narcisistica, fue aquella de tener relaciones con su propia Musica, materializada en forma femenina en su mente trastornada. La "Ella" de las cartas y de los fragmentos podria de cualquier modo referirse a un disfraz en clave materna del "ego".
Compuso mucho: los fragmentos llegados hasta nosotros demuestran una vez mas su total y patetica filiacion a la musica del gran aleman. Esto fue tanto, que se puede justificar la confusion de Spitzen, que incluyo a muchos de aquellos fragmentos en su tan famoso como confuso Catalogo Bachiano. Es fascinante la hipotesis de Mc Dougall, que no se trata de obras fragmentadas, sino de un verdadero y propio "corpus" de alucinaciones musicales teniendo un caracter completo en si mismo, una especie de "non finito" Miguelangelesco.
Y llegamos a la noticia que ha turbado el mundo musical londinense: Jim Mc Cluskin, el notable guitarrista pop y medium, escoces de nacimiento y convertido recientemente a la fe tibetana segun las enseñanzas del Guru Ananda Kitandani, fundador de la escuela "In God We Are, In God Live, In God We Die", ha admitido publicamente, al regreso de su ultimo viaje en Nepal, de ser el "avatar" (la reencarnacion) de Somerset. Una vez mas dudamos. Revelacion veridica o desperjuiciado agente promocional? Encontramos excesivamente trivial la idea de Mc Cluskin de contactar a traves de las guias telefonicas de las dos Alemanias todos los "Bach" existentes, con el fin de reconectar los hilos de la ilustre parentela. Es deber del critico indagar para informar. El terreno esta lleno de amenazas y de insidias escondidas.
"Hic homo, haec musica" (ese hombre hizo musica). Y por ahora que les sea suficiente.

Traducción por Juan Mellado

PERSONAL:
Enzo Vita: guitarras
Gino Campoli: bateria
Franco Di Sabbatino: teclados
Pino Bailarini: voz y flauta
Stefano Urso: bajo
Luis Enriquez Bacalov: teclados, composición, arreglos y dirección musical

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 77,5 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 83,5 MB
Artwork: Completo, alta calidad

------------------------------------------------------------------------------------------------
REMASTERIZACION JAPONESA (2004)
Fiel al viniloARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 partes)
Peso: 200 MB + 39 MB

Formato de audio: FLAC
Peso: 239 MB
Artwork: Completo, alta calidad

THE MOODY BLUES - DAYS OF FUTURE PASSED (1967)

Nombre: Days of Future Passed
Banda: The Moody Blues
Año: 1967
País: Reino Unido, Inglaterra
Sello: Deram / Polydor

TRACKLIST:
01 The Day Begins [05:50]
02 Dawn - Dawn is a Felling [03:48]
03 The Morning - Another Morning [03:56]
04 Lunch - Peak Hour [05:33]
05 The Afternoon [08:23]
- a) Forever Afternoon (Tuesday )
- b) (Evening) Time To Get Away06 Evening [06:40]
06 Evening [06:40]
- a) The Sunset
- b) Twilight Time
07 The Night - Nights in White Satin [07:24]

Tiempo total: 41:34

EL DISCO:
Alejados del R&B de su primer LP, tras la salida de Denny Laine, y con la incorporación de Justin Hayward, la banda de Birmingham dió un giro enorme en su sonido y concibe esta obra. Si bien esta influenciado por el grandioso Sgt. Pepper’s de los Beatles, este LP fue pionero en muchos aspectos. Primero, es uno de los primeros albumes conceptuales de la hitoria del rock. Segundo, es el primero en crear una obra integra, fusionando la música clásica, el rock y la psicodelia. Tercero, es punto de debate, ya que creo es muy difícil determinar el origen en sí del rock progresivo, pero si este no fue el primero del género esta muy cerca, y sin dudas es una base enorme para lo que es el rock sinfónico. La música de The Moody Blues, esta muy cercana a las antiguas bandas sonoras, donde la música y narrativas cargadas de emotividad, tienen una función casi cinematográfica y descriptiva de los hechos, lo que ayudó mucho a terminar de redondear la conceptualidad del album. ¿ Y cuál es este concepto? los Moodys decidieron pintar un retrato de un día cotidiano de un hombre común, lo cual no le debe ninguna nostalgia al pasado, y no le quita ninguna posibilidad al futuro.
Además de la banda en sí, el responsable de este nuevo sonido de la banda es el señor Tony Clarke (encargado de la producción) y DECCA, ambos pusieron a disposición de los músicos las últimas técnicas de grabación y utilizaron el estudio como otra pieza fundamental para la grabación del disco a la par de la instrumentación. El credito para DECCA es indirecto, si bien puso al servicio de la banda una orquesta, el uso que querían darle era otro.
La compañía DECCA le propuso al grupo recién reformado, si podían hacer una versión de la Sinfonía número 9 en Mi menor, Opus 95 "Del Nuevo Mundo" de Antonín Dvorák. La idea de DECCA, era fundir en una sola obra la fusión entre música clásica y música popular, como nunca se había hecho antes, ya que si los Beatles (el gran chasco empresarial de DECCA) hicieron algo parecido en su "Sargento Pimienta", no se habían basado en ninguna obra de los grandes clásicos. El auténtico motivo de fondo era promocionar el nuevo sistema DDS (Deramic Sound System), tal como lo dijo Hugh Mendl.
Para este ambicioso proyecto se creó una banda de música clásica a la que se le llamó: The London Festival Orchestra, es decir, era como una banda creada para las sesiones de grabación del álbum, y ésta estaba dirigida por Peter Knignt.
De productor ejecutivo estaba el mentado Hugh Mendl, a la realización: Michael Dacre-Barclay y Tony Clarke, y de Ingeniero de grabación: Derek Varnals. La pintura de la cubierta es obra de David Anstey.
Toda la música estaba compuesta por: Redwave- Knight, a este último ya lo conocemos, pero ¿quién era Redwave? Pues era nada más y nada menos que el nombre en clave que habían dado los chicos para referirse a ellos, es decir eran los propios Moodies.
Los Moody Blues y la Orquesta jamás coincidieron en el estudio, la forma de trabajar era que cuando los MB tenían algo grabado se lo enviaban a Knight y éste junto con la orquesta hacía lo demás.
DECCA esperaba otra cosa, ya que ellos esperaban que al escucharla sonase a Dvorák, pero ni por asomo. Además habían gastado mucha pasta en su proyecto, y por ello decidieron sacarla al mercado, pero en sus mentes estaba la idea de una causa perdida.
En definitiva si Decca utilizó a un grupo que se estaba viniendo abajo, como mano de obra barata y asequible, para lanzar el nuevo DDS (poner de moda el estéreo en la música pop inglesa, ya que al contrario de USA toda la música popular se escuchaba en equipos mono), los Moodies se tomaron el trabajo muy libremente y a su manera. Así que engaño por engaño crearon esta joya del sinfónico

Dejo una entrevista, donde el grupo habla sobre este disco:
¿Cómo cambió la suerte de los Moody Blues de un grupo que entregaba R&B con poca fortuna, que había perdido recientemente a su manejador en la gran sensación de Days of Future Passed en poco menos de un año?

JOHN LODGE: En el verano de 1966, nos juntamos Justin, yo, Ray, Graeme y Mike. Sabíamos que no podíamos seguir con el grupo del 'Go Now', así que decidimos mudarnos a Bélgica, a un pueblito llamado Mouscron, y empezamos a escribir. Habían algunos clubs donde tocábamos para ganar lo suficiente para vivir y al mismo tiempo, concentrarnos en escribir nuestra propia música, la cual se tocaríamos en vivo. Por entonces, tocábamos temas de Tamla Motown, algunos blues, 'I Don't Mind' (No me importa) de James Brown, 'Impressions' (Impresiones) de Curtis Mayfield. Todas nuestras influencias venían de Estados Unidos. Empezamos a experimentar con la armonía, lo que fue realmente importante, y esto se convirtió en el soporte de la música de los Moody Blues. Nos concentramos en contraponer armonías que iban en contra de la melodía principal, y esto, pienso, fue inspirado por Impressions y por los Four Tops. Pero estábamos buscando nuestra propia dirección.

RAY THOMAS: Éramos una banda orientada al rock'n'roll pero Justin era más folk, así que esa fue la primera fusión, antes de Days of Future Passed, un casamiento de estilos musicales, una progresión natural. Teníamos algunas canciones que queríamos grabar pero no conseguíamos un estudio donde grabarlos. Necesitas un éxito para lograrlo, así que estábamos estancados.

JL: Regresamos a Inglaterra y enviamos algunos demos de nuestras canciones a Decca, que nos condujo a un par de sencillos, 'Fly me High' (Elévame a lo alto) y luego 'Love and Beauty' (Amor y Belleza). 'Fly me High' fue la primera verdadera progresión porque tenía todas las armonías. Fue el punto de quiebre.

También grabaron varias sesiones de radio en 1967.

JL: Es verdad. Fuimos a varios estudios de la BBC dos o tres veces a la semana, grabando nuevas canciones que se escucharía en Radio 1. La primera grabación de 'Nighs in White Satin' (Noches de Blanco Satén) fue hecho por la BBC, antes del álbum. De pronto nos dimos cuenta lo que habíamos logrado mientras estábamos sentados en la sala de control escuchando la primera grabación de 'Noches'. Y estábamos tan entusiasmados con el resto de nuestra música en vivo.

¿Cómo ocurrió lo del álbum Days of Future Passed?

JL: Decca nos preguntó si podíamos grabar nuestra versión de la 'Sinfonía del Nuevo Mundo' de Dvorak con una orquesta. Cuando íbamos a grabar DÍAS DEL FUTURO PASADO, fuimos a Decca y dijimos, ¿podemos tener un tiempo abierto para grabar? por ejemplo, queríamos el estudio 24 horas al día para preparar todo nuestro equipo y sólo grabar. En esos tiempos, sólo podías grabar en sesiones matutinas. Ellos aceptaron y luego dijimos que en vez de usar las melodías de Dvorak podíamos usar nuestras propias canciones.

RT: Se suponía que Days of Future Passed iba a ser un álbum de demostración. Ellos querían que tocáramos rock'n'roll y que Peter Knight hiciera la parte orquestal de Dvorak para repartirlo a sus representantes para darles una idea del alcance de su nuevo sonido Deramic que lo cubra todo. Pero pensamos que sería muy deshilvanado, así que le pedimos a Peter que se esforzara un poco más para grabar nuestros temas para los conciertos. Nunca llegamos a tocar con la orquesta. Todo lo que hicimos fue enviar cada pista a Peter, quien escribió y arregló los puentes con la orquesta. Todo fue muy hippy, ya sabes. ¡Poca luz y el incienso quemando!

¿Cómo llegaron a usar el Melotrón?

RT: La compañía que los construía era de la región central. Mike había trabajado con ellos, y compramos el primero del club social de Dunlop, ¡ya que nadie allí sabía como tocarlo! El Melotrón era una gran carga para llevarlo de viaje. En Estados Unidos se rompió más veces de la que funcionó, porque causaba un gran revuelo. ¡Era un gran bulto! El problema era que todo estaba bien por aquí porque nuestro suministro de electricidad es tan estable, pero en Estados Unidos podías afinar todo en los ensayos pero cuando te llegaba el momento de tocarlo, todos estaban en sus casas y encendían sus aparatos eléctricos y el Melotrón hacía como, "¡wooargh!" (se rie), como si hubiese un alternador de voltaje sobre el maldito aparato. Sonaba en todo el lugar.

¿Cómo reaccionó Decca al LP?

RT: Decca no estaba seguro qué hacer. Ellos dijeron, bueno, costó más de lo que pensábamos, así que debíamos lanzarlo para recuperar parte de la inversión. Fue una lista de errores de su parte.

JL: La compañía discográfica no estaba segura cómo promocionarlo, porque no tenía espacios entre las pistas para que los disc jockeys pudieran tocarlos fácilmente una pista. 'Noches de Blanco Satén' duraba seis minutos, asi que no parecía que saldría de alli un sencillo, especialmente en Estados Unidos. Así que iba contra todas las reglas de la 'música pop'. Pero no estábamos tratando de ser una banda de música pop, tratábamos de legitimizar la música de los Moody Blues como una entidad y pienso que DÍAS DEL FUTURO PASADO cerró el trato. Es la piedra angular sobre la cual construimos nuestra música.

¿Estuvo Days of Future Passed influenciado por el 'Sgt. Pepper' (Sargento Pimienta) de Los Beatles?

RT: Bueno, ellos no veían al Sgt. Pepper como algo conceptual. Era más como un espectáculo. El nuestro era como una sinfonía de música rock.

¿Tienen algunos recuerdos en particular de 'Noches de Blanco Satén'?

RT: Lo que realmente nos asombró fue como sonaban la voces junto al conjunto de cuerdas, era un poco fantasmal y muy conmovedor. La primera vez que escuchamos 'Noches' completo fue muy emocional.

GRAEME EDGE: Pienso que sólo fueron dos tomas. Pero la primera indicación que era algo fuera de lo ordinario fue cuando grabamos la canción para un programa de la BBC. Hay una algo como magia cuando eso sucede, aunque nos tomó algo de tiempo despegar en Estados Unidos. ¿Sabias de ese tipo en Seattle? La primera vez que salió 'Noches', llegó al puesto 29 en Inglaterra. Estábamos por grabar otro sencillo, 'Voices in the Sky' (Voces en el Cielo), cuando la compañía discográfica en los Estados Unidos nos contactó y nos dijo, que habíamos conseguido despuntar, es decir, un éxito en una ciudad. Era toda una locura en Seattle y se comenzó a difundir. Muchos años después, supimos quién fue el DJ que lo comenzó todo. Estaba en el turno de 12 hasta 4am, el turno muerto. Nos contó que quería fumarse algo, así que buscó en la lista de temas autorizados y seleccionó el disco más largo que le dejaban poner al aire: 'Noches de Blanco Satén'.

¿De qué se trataba la canción?

JUSTIN HAYWARD: ¡Alguien en realidad nos dió algunas sábanas de satén! Era sólo una frase que no tenía ningún sentido, especialmente si tenías una cierta cantidad de barba como la que tenía. Espantosas cosas, las sábanas de satén. En Estados Unidos nos decían que 'Noches' nunca se vendería. Era muy larga y muy lenta. Pero estaba de acuerdo con ellos por aquel tiempo. Lanzaron 'Tuesday Afternoon' (Martes en la Tarde) primero, y fue un gran éxito por allá. Pero luego le siguió 'Noches', que se convirtió en un éxito aún más grande. Decían en Estados Unidos que nadie bailaría con esa música, lo que era uno de los comentarios más estúpidos que alguien podría haber hecho. Realmente cualquiera puede bailar con 'Noches' porque vi que en la revista 'Rolling Stone' que estaba entre los primeros cinco canciones en las fiestas de etiquetas (Proms), y allí todos bailan.

Graeme, ¿cuándo fue la primera vez que te diste cuenta de tu fascinación con la poesía en la música de los Moody Blues?

GE: Cuando grabábamos Days of Future Passed, la sección de la mañana nos parecía algo vacía, así que escribí lo que se convirtiría en Morning Glory (La Gloria de la Mañana) y Late Lament (Lamento Tardío). Para evitar distracciones, me senté en nuestro camioneta Volkswagen y lo escribí en el interior de un paquete abierto de 20 cigarros Players. Traté de escribir algunas palabras para que alguien le pusiera la música, como una canción, pero la poesía tiene un ritmo y un metrado que es difícil convertirlo en canción. Así que nuestro productor Tony Clarke dijo, bien, está bien así como está. Sólo ponlo como un poema.

¿De donde vino el título del álbum?

JL: El título vino de forma independiente de Decca, pero lo maravilloso de todo fue que lo que teníamos era literalmente un día en la vida, exactamente la misma idea. En una de esas hermosas coincidencias. Peter Knight era un talentoso arreglista, y Decca era dueña del nombre de la Orquesta del Festival de Londres, la cual realmente era una orquesta de estudio. Estábamos tan emocionados con este álbum. Fue grabado en estéreo e hicimos monomímica. Pusimos algunos parlantes en el estudio e invitamos a nuestros amigos y a la gente de Decca. Apagamos las luces y tocamos Days of Future Passed del principio hasta el final. Era como un concierto a oscuras. Cuando acabó, las luces se encendieron y podías ver la sonrisa en todos como si algo mágico hubiese sucedido. Aún puedo sentir ese sentimiento. Sabíamos que estaba bien, y no hablo de un éxito comercial, sino de lo que los Moody Blues querían, la culminación de lo que hicimos por un año.

PERSONAL:
Justin Hayward: guitarras, piano, teclados, voces.
John Lodge: bajo, guitarras, voces.
Mike Pinder: teclados, melllotron, piano,voces
Ray Thomas: flautas. Vientos, percusión, teclados, voces.
Graeme Edge: batería, percusión
Peter Knight: conductor, arreglos

The London Festival Orchestra

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 86,9 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 95,2 MB
Artwork: Completo, alta calidad